GALERIE VOSS

SELECTION 2025
01.08.2025 - 23.08.2025

Ausgestellte Künstler: Sandra Ackermann | Frank Bauer | Till Freiwald | Daniel Heil | Michael Koch | Amparo Sard | Mio Zając Die aktuellen Arbeiten von Sandra Ackermann beziehen sich ästhetisch auf die lange währende Tradition der botanischen Illustration, die sich als Schnittstelle zwischen Wissenschaft und Kunst versteht. Angekommen im Anthropozän, in dem der Mensch zu einem der prägendsten Einfluss-Faktoren auf die biologischen Prozesse gilt, wird er in Ackermanns Arbeiten Teil der Beobachtung. Der Mensch steht hier nicht mehr als Wissenschaftler außerhalb, sondern ist Teil des zu beobachtenden Ökosystems. Angelehnt an botanische und zoologische Illustrationen des 19. Jahrhunderts wird der Mensch des hier und heute in diese Bildwelt eingeführt, denn im Anthropozoikum ist der Mensch der bestimmende Faktor und die dominierende Kraft im Gestalten von Lebensräumen. Die uns umgebende natürliche Welt kann nicht mehr ohne den Einfluss des Menschen gedacht werden, und so findet er sich neben den Pflanzen und Insekten als weitere zu beobachtende Kreatur und gleichzeitig als dominierende Umgebung in Ackermanns Arbeiten wieder. Was ist eigentlich gemeint, wenn von Fotorealismus die Rede ist? Mit dem Begriff glaubt man eingeordnet zu haben,was sich letztlich doch nicht so leicht einfangen lässt. Etwas beharrt darauf, da zu sein, was beim leichtsinnigen Gebrauch des Begriffs auf der Strecke bleibt, weil es über das fotonahe Erfassen der Wirklichkeit weit hinausschießt. Es ist eben doch mehr als nur eine langweilige Tautologie und auch weit mehr als nur ein überholtes In-Konkurrenz-Treten-zur-Fotografie. So jedenfalls bewahrheitet es sich im Sonderfall von Frank Bauer, dem man unterstellen könnte, ein Fotorealist mit gewisser Sympathie für die Pop Art zu sein. Ja, in erster Linie ist er einpassionierter Maler, der scheinbar fröhlich aus der Reihe tanzt, noch dazu einer, der als Student bei Gerhard Richter gelernt, also alle Zweifel an dem Medium eingeimpft bekommen hat. Und trotzdem bekennt er sich zur Malerei wie einer, der darauf gezielt als seine eigenste Möglichkeit zurückgreift, sich der eigenen Existenz sowie der Fülle der Welt zu vergewissern, in der er sichplatzieren muss und in die er sich als ein sich selbst fremdes Sein geworfen fühlt, dessen Existenz der Essenz vorausgeht. Mit wohltuender Leichtigkeit verlässt er sich auf die überlieferten Möglichkeiten der Malerei. Und das so selbstverständlich, wie es sich heute kaum noch einer traut. In Till Freiwald’s Arbeiten sind überdimensionale Gesichter mit wenigen Schatten und weich eingetragenen Gesichtszügen dargestellt. Die leuchtende Gesichtshaut funktioniert dabei fast wie eine eigenständig belebte Form. Das Zusammentreffen des nahezu monumental wirkenden Kopfes und der ansatzweisen Darstellung der Hals-und Schulterpartie wirkt auf den Betrachter zunächst überwältigend. Es entsteht eine artifizielle Natürlichkeit und eine lebendig wirkende Körperlichkeit. Bei genauerer Betrachtung verfällt man der Ruhe des unbeweglichen Gesichts. Das Universum der menschlichen Existenz erscheint wahrnehmbar. Es entfaltet sich tiefe Konzentration und emotionale Fülle. Diese Wahrnehmbarkeit resultiert aus dem direkten Bezug des Künstlers zu seinem Modell. Die Begegnung zwischen dem Model und dem Künstler lässt den Betrachter der Portraits die Wahrheit und die Relevanz eines Individuums in besonderer Weise erfassen. Seit einigen Jahren arbeitet Daniel Heil an zwei umfangreichen, andauernden Werkserien, die eine intensive Interaktion zwischen Maler und Leinwand dokumentieren. Diese rhythmischen Abstraktionen haben eine körperliche, gar eine choreografische Dimension. Sie dokumentieren frei fließende Gesten, die plötzlich gestoppt und auf der Leinwand oder auf Papier festgehalten werden. Trotz ihrer sprühenden Energie strahlen die Bilder und die kleinformatigen Zeichnungen eine meditative, Zen-ähnliche Stille aus. Genau dieses Wechselspiel aus Lebhaftigkeit und Ruhe fasziniert den Künstler. In seinem Essay „Movement in Space“ über Daniel Heils Arbeit weist Thomas Kuhn treffenderweise auf die „reduzierten Konstellationen der Tuschemalerei des Zen-Buddhismus“ hin, bei der mit kleinsten Mitteln die größte Wirkung erzielt wird. Wie in den Lehren des Zen und dessen Konzentration auf das individuelle Bewusstsein gibt es auch hier keinen starren Plan und kein Bestreben, die Betrachtungsweise der Werke zu beeinflussen. „Ich stelle keine Ansprüche an den Betrachter“, betont Heil. „Meine Bilder sind einfach ein Angebot.“ In seiner Installation „vanishing birds“ widmet sich Michael Koch dem Verschwinden – leise, eindringlich und von melancholischer Schönheit. Goldene Äste bilden die Bühne, auf der einst ausgestopfte Vögel ruhten. Ihre Körper sind verschwunden, zurück bleiben nur Spuren auf den Ästen. Minimalistische fotografische Arbeiten von Vogelpräparaten und einem Vogelnest ergänzen die Inszenierung. Die Arbeit bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Natur und Künstlichkeit, Erinnerung und Verlust, Anwesenheit und Abwesenheit. „vanishing birds“ ist eine kontemplative Reflexion über das Verschwinden in einer Welt, die bewahrt, sammelt und konserviert („eternal collection“ ). Was bleibt, wenn das Leben gegangen ist? Was wird sichtbar, wenn der Blick auf das Fehlen fällt? Die Vögel sind verschwunden – doch in der kostbaren Leere hallt ihr Dasein nach. Der goldene Ast trägt nicht mehr. Michael Koch, geboren 1973 in Braunschweig studierte Kommunikationsdesign mit den Schwerpunkten Kunst und Fotografie und Geschichte und Theorie der Fotografie an der Folkwangschule in Essen. Seine fotografischen Arbeiten aus "eternal collection" wurden zahlreich international publiziert und ausgezeichnet. Die spanische Künstlerin Amparo Sard nutzt für Ihre Arbeit unterschiedliche Ausdrucksmedien: Zeichnung, Video, Installationen und Skulptur. In ihren „Zeichnungen“ bestickt Sard Papier mit Geschichten und gibt plastischen Formen Korpus zur Entweihung der Bidimensionalität der Unterlage.Ein vollkommener Monochromatismus, weiß, an Schweigen und Einsamkeit erinnernd und Themen der Identität und Einschränkung erkundend bzw. erforschend. Indem sie eine einzigartige Form von Pointillismus verwendet, erschafft Sard Werke auf Papier, als auch z.T. raumfüllende Skulpturen aus den unterschiedlichsten Materialien. Ihre Arbeiten bestehen aus tausenden von Nadeleinstichen, durch die komplexe bildliche Darstellungen entstehen die als „gepixelte Stickereien“ bezeichnet werden können. Die Arbeiten von Mio Zając zeichnen sich durch eine differenzierte Auseinandersetzung mit den Möglichkeiten verschiedener Medien aus. In seinem aktuellen Werkzyklus untersucht er das komplexe Verhältnis zwischen unserer individuellen Wahrnehmung und ausgewählten Fragmenten dessen, was kollektiv als Realität bezeichnet wird. Mio Zajac verschränkt in seinen Werken die Konstruktion medialer Wirklichkeit mit persönlichen Beobachtungen so geschickt, dass sich das Vertraute und Unerwartete auf faszinierende Weise miteinander verbinden, während am Ende das Irritierende subtil zum Vorschein kommt. Auf diese Weise lassen sich Strukturen, Muster und Gedanken ausmachen, die sich in der Repetition verlieren, nur um wieder zurückzukehren.