GALERIE VOSS

Selection
08.02.2022 - 05.03.2022

Die Ausstellung mit dem Titel „Selection“ zeigt neue Arbeiten von acht Künstlern, die ganz unterschiedliche Themenkreise bearbeiten. In Till Freiwald’s Arbeiten sind überdimensionale Gesichter mit wenigen Schatten und weich eingetragenen Gesichtszügen dargestellt. Die leuchtende Gesichtshaut funktioniert dabei fast wie eine eigenständig belebte Form. Das Zusammentreffen des nahezu monumental wirkenden Kopfes und der ansatzweisen Darstellung der Hals-und Schulterpartie wirkt auf den Betrachter zunächst überwältigend. Es entsteht eine artifizielle Natürlichkeit und eine lebendig wirkende Körperlichkeit. Bei genauerer Betrachtung verfällt man der Ruhe des unbeweglichen Gesichts. Das Universum der menschlichen Existenz erscheint wahrnehmbar. Es entfaltet sich tiefe Konzentration und emotionale Fülle. Diese Wahrnehmbarkeit resultiert aus dem direkten Bezug des Künstlers zu seinem Modell. Die Begegnung zwischen dem Model und dem Künstler lässt den Betrachter der Portraits die Wahrheit und die Relevanz eines Individuums in besonderer Weise erfassen. Daniel Heil arbeitet an zwei umfangreichen, andauernden Werkserien, die eine intensive Interaktion zwischen Maler und Leinwand dokumentieren. Diese rhythmischen Abstraktionen haben eine körperliche, gar eine choreografische Dimension. Sie dokumentieren frei fließende Gesten, die plötzlich gestoppt und auf der Leinwand oder auf Papier festgehalten werden. Trotz ihrer sprühenden Energie strahlen die Bilder und die kleinformatigen Zeichnungen eine meditative, Zen-ähnliche Stille aus. Genau dieses Wechselspiel aus Lebhaftigkeit und Ruhe fasziniert den Künstler. In seinem Essay „Movement in Space“ über Daniel Heils Arbeit weist Thomas Kuhn treffenderweise auf die „reduzierten Konstellationen der Tuschemalerei des Zen-Buddhismus“ hin, bei der mit kleinsten Mitteln die größte Wirkung erzielt wird. Wie in den Lehren des Zen und dessen Konzentration auf das individuelle Bewusstsein gibt es auch hier keinen starren Plan und kein Bestreben, die Betrachtungsweise der Werke zu beeinflussen. „Ich stelle keine Ansprüche an den Betrachter“, betont Heil. „Meine Bilder sind einfach ein Angebot.“ Mary A. Kelly, die sich bislang als Foto- und Videokünstlerin einen Namen gemacht hat, zeigt nun erstmals ihre Malerei. Das Thema ist "der Stuhl". Das Projekt "Chair" begann vor vielen Jahren, als sie an einem Gruppentherapieprozess teilnahm. Die Einfachheit des Raumes und die Tiefe des Lebens brachte Kelly dazu, viele ähnliche Räume mit ihrer Kamera zu erkunden. Schließlich konzentrierte sie sich auf den Stuhl als ein Konstrukt neben dem Leben und als Zeuge des Lebens. Die Erforschung der Stühle erstreckte sich nicht nur auf die psychotherapeutischen Räume in andere Wohnräume. Der intime Raum der psychotherapeutischen Erfahrung öffnet sich in einen breiteren öffentlichen Raum und das Leben selbst. Schließlich trat der Pinsel an die Stelle der Kamera. Mit einer Besetzung schillernder Charaktere, die jeder Repertoirebühne gerecht wären, füllt Iwajla Klinke die Fotografie mit der Magie und Eleganz ihrer frühen Jahre, in denen eines der fundamentalen Ziele das Dokumentieren und Zelebrieren ritueller Momente im Leben eines Individuums war. Die Schnappschuss-Ästhetik des letzten Jahrhunderts sowie die heutige Allgegenwart digitaler Bilder hat den zeremoniellen Aspekt von Photographieren stark vermindert – zu Gunsten von William Egglestons „demokratischer Kamera.“ Im Gegensatz dazu bildet Zeremonie den Kern von Klinkes Ansatz. Ihre Kamera hält Sujets fest, deren Kleider schon auf Individualität, sogar Exzentrizität deuten und in denen Ritual implizit ist. Diese Studien sind auf eine traditionelle Art und Weise dargestellt, die manchmal an die Konventionen des gemalten Porträts erinnert. (Die Tatsache, dass Klinkes Arbeiten mit Pigmenten auf Büttenpapier gedruckt sind, verstärkt weiter die Verbindung zu klassischen Traditionen der Bildherstellung.) Mit minimalistischen Mitteln schafft sie Ergebnisse großer visueller Autorität. Michael Koch zeigt eine Installation aus seiner Serie „eternal collection“. Dafür reist Michael Koch seit 2012 quer durch Europa, um in Naturhistorischen Museen zu fotografieren. Es geht ihm bei den fotografischen Arbeiten nicht um eine Dokumentation, sondern vielmehr um die Darstellung der (Re)Präsentation der Natur. Einige der in den Museen ausgestellten Präparate werden auch in seinem Studio nachgebaut und dort unter anderen Lichtverhältnissen fotografiert. Die Künstlichkeit und Inszenierung steht im Fokus seiner Arbeit. Die jeweiligen Objekte (Knochen, Skelette, Insekten, ausgestopfte Tiere, etc.) werden von ihrer Umwelt isoliert gezeigt. So bedient sich Koch der Bildsprache einer rein objekthaften Wissenschaftsfotografie, die aber in diesem Fall nie objektiv ist. Die Natur wird zum ästhetischen Anschauungsgegenstand. Die Grenze zwischen belebtem und totem Gegenstand verschwimmt an der fotografischen Oberfläche. Die Präsentation der Arbeiten im Ausstellungsraum spielt mit der musealen Ästhetik. Reflexionen der glänzenden Oberfläche, nachgebaute Schaukästen, Sockel oder Vitrinen, bis hin zu angedeuteten Dioramen zeigen einen Ausschnitt der künstlichen Natur, die Michael Koch in teilweise sehr beunruhigenden Bildern ans Licht bringt. Die Malereien von Jurriaan Molenaar beschäftigen sich mit architektonischen Strukturen, zeigen Innenansichten von Räumen oder Fassaden von erdachten Gebäuden. Allen Werken gemein ist die Tatsache, dass die dargestellten Räume kalt und leer erscheinen. Keine Menschen, keine Requisiten findet man darin. Molenaars Vorliebe für Gebäude erstreckt sich durch dessen gesamtes Werk. "Genau wie ein Mensch, hat ein Haus einen Charakter und generiert Gefühle.“ Bei der Darstellung reize ihn die Suche nach der Balance zwischen innen und außen, zwischen offen und geschlossen, zwischen Geborgenheit und Klaustrophobie. Den Übergang zwischen diesen Gegensätzen bilden naturgemäß die Fenster, die die Fragen ,,Wo bin ich?“ und ,,Was sehe ich?“ aufwerfen. Zu konkrete Antworten will Molenaar aber nicht geben, denn: ,,Ein gutes Bild verbirgt mehr, als es zeigt.“ Im Gegensatz zum Werkzyklus vor dem Anfang - nach dem Ende, geht es Mihoko Ogaki in der aktuellen Arbeitsserie nicht um Geburt und Tod, sondern um das Leben und das lebende Individuum samt seiner Emotionen wie Trauer, Freude, Vergnügen oder auch der Eifersucht. "Milky Ways", Sinnbild für das Leben, ist für Ogaki ein sehr persönliches Thema, weil sie in ihr Schaffen auch das Abbild der eigenen Person einbezieht. Dabei zeigt sich die Künstlerin nicht detailverliebt in ihr eigenes Abbild. Stattdessen versucht sie das Innere nach außen zu kehren, die Emotionen sichtbar zu machen. Bei ihren Skulpturen gelingt dies vornehmlich durch den Einsatz von Licht und Materialien, die Licht reflektieren. Einem Atemzug gleich, fängt Kate Waters mit ihrer Kamera beiläufig alltägliche Szenen und ihre Stimmungen ein und setzt diese in ihren Bildern stimmungsvoll um. Dabei regen die Bildtitel den Betrachter zu einem zumeist ironisch motivierten Verständnis der mehrdeutigen Situationen an und schaffen eben durch diese Ironie vieles erträglicher zu machen, was streng genommen untragbar ist. Kulturelle Klischees, sowie Archetypen in der Freizeitkultur der Gegenwart werden dabei ebenso aufgedeckt und aus verschiedensten Winkeln betrachtet wie auch die Erwartungen und Versprechen der Gesellschaft. Lässt man sich als Betrachter auf die Vielschichtigkeit der Bilder ein, die jedes für sich, bei allen formalen Gemeinsamkeiten eine eigene Geschichte erzählen, wird die gegenwärtige Mischung aus scharfer Beobachtungsgabe und einem Schuss Melancholie gegenwärtig. Aber auch ein anderes Phänomen wird sichtbar: Während des Betrachtens der Bilder teilt man die Beobachtungen der Künstlerin und ihre ausgewählten Szenerien und atmet in jenem Moment buchstäblich die gleiche Luft.